曲について

MONGOL800のアルバム『Message』(2001)に収録されています。作詞:上江洌 清作、作曲:MONGOL800。

MONGOL800『小さな恋のうた』を聴く

シンプルなスリーピースバンドですね。ボーカルの上江洌 清作(うえず・きよさく)がベースと兼任です。ギター・ボーカル 儀間 崇(ぎま・たかし)、ドラムス・ボーカル 髙里 悟(たかざと・さとし)。

「♪広い宇宙の……」という歌い出しのところ、ギターのブリッジミュートによるオープン・クローズのエイト・ビートのダウン・ピッキングです。1拍目をオープン、2拍目以降をクローズドの8分音符で埋めます。忙しい! イントロから進み、ドラムスのフィルなどとともにベース、アナザーギターが入ってきてピックグリス。

ドラムスは1小節に4回シンバル類を叩き、キック・スネアは「ドッ・タッ・ドド・タッ」というパターンですが、ヒラウタやCメロなどでハーフテンポにする部分をつくってスピードに起伏をつけています。ピッチ高めなチューンのスネアが曲の軽快さに与しています。

ベースはピック弾きのサウンドです。1拍目を伸ばし、2拍目以降をオルタネイトの8分音符でグリグリと刻むパターン。ギターとシンクロすることでビートに快感をもたらしています。こういうシンプルな押し出しの強さによる快感がモンパチ以外も含めたジャパニーズ・パンクの魅力で、たいへん流行した一因かなと推して察しています。

ボーカルも楽器も徹底してドライな音。残響づけはぜんぜんありません。タイトな締まりのあるバンドの音。伝えるべきことを余すことなく伝えるために、彼らは余計な演出を必要としなかったのでしょう。過不足なし。

サイドボーカルパートはメインの下、メインの上、はたまたユニゾンと自由にポジションをシフトしてたちまわります(このサイドボーカルも含めコピバンたちによく好まれていた記憶があります)。

曲はBキーで、バンドの竿物(ギター・ベース)を半音下げチューニングにすればCのポジションで解釈が簡単になります。

ボーカルの音域

ボーカルの音域が広いです。高いほうの上限はG#と高い。並外れた高さではありませんが、たとえば70年代前後くらいの作曲家たちによる歌謡曲の仕事にはまずみられない高さです。このあたりはシンガーソングライターやバンドの台頭で簡単に破られていく慣習なので気にするほどのことでもありませんが、ポップスの時代による移ろいを考える際に参考になる要素のひとつではあります。

で、高いには高いがありえないほどではない上限のG#ですが、下の方に一気に使用音域を広げている部分があります。それはBメロ冒頭付近で、歌詞でいうと「♪響くは遠く」(1番)、「♪それでも足りず」(2番)のあたりです。1番なら「響く」の「」。2番なら「それで」の「」です。これが、下のF#だと思います。声域の下限を攻めたギリギリの響きで音の長さも一瞬ですが、私にはF#に聴こえます。この下限のF#を含めて使用音域を上のG#まで眺望しますと、その距離(音域)は2オクターブと長2度にわたります。

MONGOL800『小さな恋のうた』メインボーカル使用声域

一瞬のF#(4分音符1個ぶんの長さ)に目をつぶれば、主たる声域は下に完全4度ぶん必要がなくなり、B〜オクターブ上のG#で距離は1オクターブ+長6度。平凡の範囲内といっていいでしょう。それでもやや広めかもしれません。

ボーカルのカブり

1サビが終わって次のメロに入るとき、大胆にサビのおしりと次のヒラウタの入りをカブらせています。「響け恋の歌(サビ)」と「あなたは気づく(2番メロ)」ががっつり重なっているのです。のりしろゼロ運動でしょうか。こうした局面でよくある録音手法は、おなじボーカリストがトラックを分けて別録りして重ねてしまうこと。モンパチはそれをしていません。声変わってますよね? メンバー(ギタリストか)がフォローして歌っているのだと思います。私はレコーディングにおいてもライブで演奏可能なアレンジメントを尊重する姿勢をこの上なく評価するポリシーなので、モンパチのこうした態度・選択に心から賛辞をおくります。素晴らしい。

編曲の介入でのりしろを設けてしまう、たとえばヒラウタの入りを次の小節からに遅らせてしまう、もしくは2/4の変拍子を1小節挿入するというのも手だったと思います。でもそれもしなかった。おかげで間断ない視点の移動(クロス)が実現しました。これほどののりしろゼロはなかなか類をみません。前の単語のおしりに次の語頭が重なるのを別録りする程度のケースはポップスに頻出しますが、ここでは「恋の歌」の「歌」と「あなたは気づく」の「あなた」が1単語ほぼまるカブリしています。パンクというのは、気が短いほどに良い。これはポップスに滲み出たパンクロックなのです。でも歌っていることの本質はポップス。心をまっすぐに伝えるため、パンクの形式が功を奏した好事例。それがモンパチだと思います。

テンポのゆれ

そもそも快活なテンポですが、この曲、エンディングに向かって徐々にテンポが加速していきます。オープニングは四分音符毎分(BPM)=215くらいですが、エンディングの音を止める瞬間にはおよそ240に達しているように思います。局所でぜんぜんテンポが違うのです。これも、バンドでせーので演奏と歌をそのまま録音している(イッパツ録り)ためでしょう。テンポはバンドが決めるから、クリック(メトロノーム)なんか聴く必要ないのです。この姿勢・態度も私の大好物。なんで自分たちの歌のテンポをメトロノームなんかに支配させる必要があるのか。きれいにフォーマットが整ったものをやりとりするのが商業音楽の常識であるとする無意識がまかり通り過ぎだと私は思っています。

もちろんモンパチは好例のひとつで、バンドの録音においては「イッパツ録り」は大定番です。クリックを用いないのも別に珍しいことではないでしょう。個人的には、シンガーソングライターなどの重ね録り仕事においても、もっとクリックから解放されても良いんじゃないかと思っています。ラブリーサマーちゃんのツイートによれば、プリンスはドラムマシンを手打ちで「演奏」していたっぽいです。

これを解釈するに、クリックにテンポを決めさせるのでなく、自分でフォーマットを敷いたということだと思います。またコメント欄にこんな記事も。

小室哲哉氏もドラムマシンを手打ちで演奏したものを採用するようです。彼の場合は機械的に正確なテンポですでに録音してあるトラックに重ねて、手入力の演奏によるドラムマシンの音を吹き込んでそれを採用する、クオンタイズ(タイミングの修正)もしない、という解釈ができそうです。クオンタイズしてしまったら「演奏」した意味がないですもんね。

後記

MONGOL800の『小さな恋のうた』を聴いたら録音の手法やポリシーのほうに話が脱線しました。予定調和はつまらないのでそれはそれで良かった。というか、その脱線のきっかけをくれたのが紛れもなくMONGOL800なのです。脱線というかこれが結果的に本題か。彼らのありのままの音が全国区になった事例は私としても感激するエピソードです。良いものはきちんと伝わる・売れる・評価される。すべての作品や作者がその機会に恵まれるとは限らないのが運や条件のめぐり合わせかもしれませんが、希望を感じさせる話でもあります。

高校生くらいのとき流行りましたが、当時の私はあんまりモンパチを熱心に聴いたほうではありませんでした。弾き語りのうまい友達いて、モンパチの『琉球愛歌』を歌って聴かせてもらったり一緒に公園で弾き語って遊んだ思い出があります。私のモンパチの記憶はそんなものでしたが、今回改めて1曲じっくり鑑賞したら良かった。音楽にのぞむ態度・ポリシーへの思考のきっかけをくれました。

私はライブやフェスなどに熱心に行く人間でもなかったのですが、今後どこかでMONGOL800の活躍に巡り会えたらいいなと思います。

青沼詩郎

ライブの映像

ベースボーカルの歌とオルタネイトピッキングに無駄がまったくありません。まるでしっとりと三線を弾きながら歌っているかのような姿勢の落ち着きと安定感。見事です。ドラムスも無駄なく軽快なテンポを叩いていますがパワー出すとこは出していてダイナミクスレンジがあります。ギタリストが一番熱量ありますね。2番の歌い出しが直前のサビに重なるところのボーカルはやはりギタリストの儀間さんでした。

MONGOL800 公式サイトへのリンク

『小さな恋のうた』を収録したMONGOL800のアルバム『Message』(2001)

ご笑覧ください 拙演